Christophe Clottes
J’ai pris la liberté de m’asseoir
[Ich nahm mir die Freiheit, mich zu setzen]
10 000m2, 2017. Löwenzahnsamen,
35 x 25 x 20 cm in der Ausdehnung.
© Christophe Clottes, Fotokredit: Claire Colnot.
D’un trait, 2017. (Detail) Durchgehende Linie, die in Marmormehl auf den Boden gezeichnet wird. © Christophe Clottes
Dieser Text ist ein Auftragswerk von Documents d'artistes Nouvelle-Aquitaine. Er entstand zum Teil während meines Aufenthalts Dissiper les masses mouvantes in La Chapelle Saint-Jacques centre d'art contemporain (Saint-Gaudens) im Oktober 2021.
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Réinsertion
Der Wind blieb jedoch außerordentlich wendig. Er wehte
nie unbeständig, sondern mit stets gleichmäßiger Strömung, er wechselte einfach
sein Bett, wie eine Art Wildbach, der durch Sand wogt. Er wechselte mit
derselben Kraft von Osten nach Süden, um kurz darauf von Norden her zu wehen,
ohne in seinen Sprüngen neue Gewalt zu nehmen.1
Die in den Windsprüngen eingebettete, unvorhersehbare, falsch verstandene Freiheit bleibt eine Konstante im Universum von Christophe Clottes. Wenn ich ein Incipit von Jean Giono, einem unverstandenen Libertären und überzeugten Pazifisten, verwenden muss, dann deshalb, weil das Werk von Christophe Clottes verankert und destabilisiert. Es verlangt von den Betrachtern, die ihm gegenüberstehen, ein körperliches und intellektuelles Engagement. Es ist nicht fügsam. Sie ist zart und opalisierend, gibt sich nicht auf den ersten Blick zu erkennen und lässt sich nicht in eine Schublade stecken. Sie braucht Zeit; sie so einzuführen, stellt diese Kulisse dar.
Christophe Clottes mobilisiert ein Werk, das engagiert ist, ohne Forderungen zu stellen. Es ist voller Poesie, der Poesie des Schöpfers, der betrachtet, der Poesie desjenigen, der schweigt, wenn er denkt, der Poesie der Richtigkeit, sich in der Welt und außerhalb der Welt zu bewegen. In den Zeichnungen, Installationen, Klängen, festen und beweglichen Bildern finde ich die Kraft einer Bescheidenheit wieder, die zum Nachdenken, Philosophieren und Empören anregt. Der Künstler weist auf eine dysfunktionale Gesellschaft, das Ungleichgewicht des Menschen mit der Natur und die Aberrationen der ungeschickten Moderne hin. Achtung, Christophe Clottes ist kein Asket, er propagiert weder eine Rückkehr zur Natur noch den Mythos des guten Wilden. Er interessiert sich für das Unsichtbare, die Bewegungen des Fast-Nichts, die Zeiten und den Verlauf der Dinge. Der Strich, auch wenn er nichts abbildet, markiert eine Grenze, ein Innen und ein Außen, er begrenzt einen Raum, auch wenn er offen ist. Es geht also um Entscheidungen, Zweifel und Positionen.
Christophe Clottes hat die Minimal- und Konzeptkunst als Träger von Freiheiten, als natürliche Gesten integriert. Er hat die Märsche und Aktionen von Richard Long, Hamish Fulton und Denis Oppenheim verdaut, die Happenings und die Nicht-Kunst von Fluxus assimiliert. Am Ort seiner Zeitgenossenschaft, als Erbe der Avantgarden, baut der Künstler, performt und rebelliert in filigraner Weise. Da die Welt, in der wir leben, schwer zu bewohnen ist und wir sie dennoch nicht verlassen können, stellt sich die Frage, inwieweit wir sie bewohnbar machen können, und sei es auch nur für die kurze Dauer unseres vergänglichen Lebens. Dann entsteht die Berufung des Dichters, die Mission des Malers. Was auch immer seine Kunst ist, der Künstler beruhigt die Welt, er ist wertvoll, weil er das Herz des Menschen bereichert.2
Die in den Windsprüngen eingebettete, unvorhersehbare, falsch verstandene Freiheit bleibt eine Konstante im Universum von Christophe Clottes. Wenn ich ein Incipit von Jean Giono, einem unverstandenen Libertären und überzeugten Pazifisten, verwenden muss, dann deshalb, weil das Werk von Christophe Clottes verankert und destabilisiert. Es verlangt von den Betrachtern, die ihm gegenüberstehen, ein körperliches und intellektuelles Engagement. Es ist nicht fügsam. Sie ist zart und opalisierend, gibt sich nicht auf den ersten Blick zu erkennen und lässt sich nicht in eine Schublade stecken. Sie braucht Zeit; sie so einzuführen, stellt diese Kulisse dar.
Christophe Clottes mobilisiert ein Werk, das engagiert ist, ohne Forderungen zu stellen. Es ist voller Poesie, der Poesie des Schöpfers, der betrachtet, der Poesie desjenigen, der schweigt, wenn er denkt, der Poesie der Richtigkeit, sich in der Welt und außerhalb der Welt zu bewegen. In den Zeichnungen, Installationen, Klängen, festen und beweglichen Bildern finde ich die Kraft einer Bescheidenheit wieder, die zum Nachdenken, Philosophieren und Empören anregt. Der Künstler weist auf eine dysfunktionale Gesellschaft, das Ungleichgewicht des Menschen mit der Natur und die Aberrationen der ungeschickten Moderne hin. Achtung, Christophe Clottes ist kein Asket, er propagiert weder eine Rückkehr zur Natur noch den Mythos des guten Wilden. Er interessiert sich für das Unsichtbare, die Bewegungen des Fast-Nichts, die Zeiten und den Verlauf der Dinge. Der Strich, auch wenn er nichts abbildet, markiert eine Grenze, ein Innen und ein Außen, er begrenzt einen Raum, auch wenn er offen ist. Es geht also um Entscheidungen, Zweifel und Positionen.
Christophe Clottes hat die Minimal- und Konzeptkunst als Träger von Freiheiten, als natürliche Gesten integriert. Er hat die Märsche und Aktionen von Richard Long, Hamish Fulton und Denis Oppenheim verdaut, die Happenings und die Nicht-Kunst von Fluxus assimiliert. Am Ort seiner Zeitgenossenschaft, als Erbe der Avantgarden, baut der Künstler, performt und rebelliert in filigraner Weise. Da die Welt, in der wir leben, schwer zu bewohnen ist und wir sie dennoch nicht verlassen können, stellt sich die Frage, inwieweit wir sie bewohnbar machen können, und sei es auch nur für die kurze Dauer unseres vergänglichen Lebens. Dann entsteht die Berufung des Dichters, die Mission des Malers. Was auch immer seine Kunst ist, der Künstler beruhigt die Welt, er ist wertvoll, weil er das Herz des Menschen bereichert.2
Christophe Clottes beobachtet die Welten durch miteinander verbundene Prismen: vom Lebensraum bis zur lebenden Zelle, von architektonischen Formen3 bis zur Bewegung von Felsen, Alurahmen, Sternen und Schnecken. Er arbeitet mit Gemeinschaften von Ameisen, Bienen, Phasmen und Mäusen4, baut Räume und Zufluchtsorte, prangert die Einschließung an, die ein System von Zwängen und Hierarchien unweigerlich mit sich bringt, und lehnt sie ab.
Obwohl der Körper des Künstlers weder Gegenstand der Werke noch Mittelpunkt der Kreationen ist, ist er dennoch allgegenwärtig. Er sät und belebt durch die Wiederholung des Schnitts eines Feuersteins, das Umdrehen einer Nachtkerzenstange, die Musikalität der Steine, wenn er eine Furche zieht, die so breit ist wie sein Fuß, Kohle aufschichtet, Kieselsteine zu Pigmenten reduziert, die Haut von Kühen zusammensetzt5... Seine polymorphen Werke erinnern daran, dass der Mensch die Natur ist, die sich ihrer selbst bewusst wird.6
— Émilie Flory
Manosque, Oktober 2021
1. Jean Giono, Pluie in Fragments d’un paradis, [Fragmente eines
Paradieses], 1948
2. Natsume Sōseki, Kusamakura, 1906
3. Verweis auf Werke des Künstlers: Cuisine de campagne (Volumen, 2013), Réinsertion (In-situ-Installation, 2010), Paysage même (Installation, 2020), Enveloppée (Installation, 2004).
4. Verweis auf die Werke des Künstlers: Echo erratique (Wandzeichnung mit Protokoll, 2017-18), Cadre et séchoir (Video, 2004), Structure et des fourmis (Video, 2004), Patelles (Zeichnungen und Installation, 2021), Parcelle 146 section AB (Installation, 2005), Phasmes (Installation, 2011), Programme en cours (Skulpturen und Installation, 2008).
5. Verweis auf Werke des Künstlers: Siffler sur les graines (Wandinstallation, 2021), Mouvement lithique (Musikperformance, 2018), En cercle (In-situ-Installation, 2021), Corps minéral (Installation und zwei Serien von Siebdrucken, 2018),Condition erratique (Installation, 2011).
6. Élisée Reclus, L’Homme et la terre,1905 [deutsche Version. Der Mensch und die Erde, 1908]