Jorge Isla, de la série Le Reflet, 2021
Écrans de mobile sur dibond, 74 x 94 cm
© Jorge Isla
Iñaki Domingo, Bipirámide especular vertical b/n, de la serie Mirrorworks, 2019
Diptyque, 72 x 106 x 5 cm. Miroir transparent, miroir noir, adhésif et métal © Iñaki Domingo
Texte rédigé à l’occasion de l’exposition des artistes à la galerie S à Madrid en septembre 2023.
Site des artistes
Iñaki Domingo
Jorge Isla
Iñaki Domingo et Jorge Isla, viennent tous les
deux de l’univers de l’image et les œuvres présentées pour la première fois en
dialogue dans cette exposition, ne font pas fi de ce passif. Au-delà de leur
intérêt commun pour les formes plastiques et une corrélation évidente avec l’art
abstrait, leurs recherches respectives se rejoignent également dans la question
du photographique et du politique.
Iñaki Domingo développe une pratique artistique qui interroge l’image et la photographie au sens large. Il étudie les liens, parfois contradictoires, entre l’acte de regarder, la perception et la représentation. Le travail de Jorge Isla pointe quant à lui les relations complexes entre les modes de production et de consommation des sociétés contemporaines. Ses œuvres plastiques, qu’elles soient sculpturales, filmiques ou photographiques sont porteuses d’un regard critique, social et sociétal.
Avez-vous déjà perçu le sentiment d’effondrement qui envahit le propriétaire du smart phone qui vient de choir ? Écran explosé qui restera inéluctablement noir avec une multitude de nervures nouvelles en sa surface...
Panique. Épouvante. Immobilisation.
En une fraction de seconde dans le corps de l’intéressé, tout s’anéanti ! Comment vivre isolé de cette nouvelle extension de la main, cet objet du reflet, le sien, celui des autres, de ce que l’on mange ; celui qui nous dit où aller et comment, quoi regarder et quoi photographier ?
Le déchet défigure l’aliment parce qu’il en excède la fonction : il est ce qui n’est pas ingéré ; il est l’aliment mis hors de la faim.1 Le déchet est bien ce qui a déchu de sa fonction. Ici, les tablettes et téléphones mobiles nouvelle génération qu’utilisent l’artiste pour composer ses œuvres sont brisés. Les écrans éteints ne dessinent que des résidus fragmentaires d’un « ça a été »2 mémoriel. L’image n’est plus là, elle erre dans les mémoires et les imaginaires.
Les sculptures et installations de Jorge Isla nous renvoient à des vanités modernes.
Le caractère hautement plastique de ces objets du quotidien rassemblés de manière non naturelle forme une nature morte science-fictionnelle. Une sorte d’archéologie du futur, présentée sur piédestal pour la série Still Life ou au mur pour Le Reflet.
L’artiste nous interpelle et pousse à réfléchir sur ce qu’induisent nos gestes, ce que portent au-delà de l’utilitaire les symboliques de ce téléphone plus intelligent que l’humain, devenu indispensable à ceux qui veulent bien y croire.
Évidemment, il y a dans les écrans noirs des œuvres de Jorge Isla un sentiment de boomerang sur les sociétés, la proximité de la science et de la fiction, du trou noir et du Black Mirror, celui qui ne peut plus rien refléter que le vide immense ou la porte vers une autre dimension, une vie parallèle, une caverne de Platon… Il est question aussi de l’illusion voire même l’illusion de l’illusion, que l’on retrouve aussi dans le travail récent d’Iñaki Domingo.
Il me plaît ici de parler de Miroir noir, aussi appelé miroir de Claude en référence à Claude Gelée dit Le Lorrain, qui utilisait un petit miroir convexe et assombri au noir de fumée. Outil indispensable des artistes et voyageurs du XVIIIe siècle en France et en Grande-Bretagne qui tournaient le dos à la nature qu’ils souhaitaient représenter sur leur toile et utilisaient le miroir noir pour leur composition et leurs effets de lumières et de couleurs.
Je retrouve ce paradoxe humain dans les œuvres engagées de Jorge Isla. Renvoyer aujourd’hui les téléphones mobiles et leur écran noir à cet accessoire qui permettait aux artistes paysagistes de tourner le dos à leur sujet… comment ne pas voir dans cette distorsion, une métaphore pour évoquer les contemporains qui de nos jours ne savent plus regarder le monde qu’à travers l’écran de leur mobile ?
Nous sommes pleinement ici dans l’adoration des nouveaux objets du sacré3. Et je ne peux m’empêcher de penser à la difficulté que j’ai eu la première fois que j’ai eu à franchir et traverser Footstep de Christian Marclay4, comme tous les amateurs de musiques et les collectionneurs de disques… et de faire un parallèle actuel avec l’œuvre de Jorge Isla It is what it is, quand les visiteurs n’ont pas d’autre choix que de piétiner leur objet sacré qui tapissent le sol de l’espace d’exposition.
Dans la série Blanco de España, l’artiste confrontait déjà le spectateur à l’écran éteint, celui des vitrines passées au blanc d’Espagne, fenêtres de projections d’images sans images, lieu de tous les imaginaires et de toutes les projections.
Les œuvres de Jorge Isla et Iñaki Domingo sont éminemment génératrices d’imaginaires, « (…) c’est l’imaginaire qui devient producteur de systèmes pour augmenter notre compréhension du réel, ce dernier n’étant pas composé que de ce qui est prouvé : ce qui ne l’est pas encore peut, ou en tout cas pourrait exister. »5
L’image omniprésente et manquante, proliférante, vue mais sans être vraiment regardée. C’est un autre point qui relie les deux artistes : leur lien ténu avec le photographique.
L’image, les images demeurent dans les travaux et les recherches de Domingo et Isla, et il est intéressant de voir comment les œuvres présentées en conversation dans l’exposition renvoient le spectateur à sa contemporanéité et à son existence immédiate vouée à disparaître… au fugace.
Iñaki Domingo développe une pratique artistique qui interroge l’image et la photographie au sens large. Il étudie les liens, parfois contradictoires, entre l’acte de regarder, la perception et la représentation. Le travail de Jorge Isla pointe quant à lui les relations complexes entre les modes de production et de consommation des sociétés contemporaines. Ses œuvres plastiques, qu’elles soient sculpturales, filmiques ou photographiques sont porteuses d’un regard critique, social et sociétal.
Avez-vous déjà perçu le sentiment d’effondrement qui envahit le propriétaire du smart phone qui vient de choir ? Écran explosé qui restera inéluctablement noir avec une multitude de nervures nouvelles en sa surface...
Panique. Épouvante. Immobilisation.
En une fraction de seconde dans le corps de l’intéressé, tout s’anéanti ! Comment vivre isolé de cette nouvelle extension de la main, cet objet du reflet, le sien, celui des autres, de ce que l’on mange ; celui qui nous dit où aller et comment, quoi regarder et quoi photographier ?
Le déchet défigure l’aliment parce qu’il en excède la fonction : il est ce qui n’est pas ingéré ; il est l’aliment mis hors de la faim.1 Le déchet est bien ce qui a déchu de sa fonction. Ici, les tablettes et téléphones mobiles nouvelle génération qu’utilisent l’artiste pour composer ses œuvres sont brisés. Les écrans éteints ne dessinent que des résidus fragmentaires d’un « ça a été »2 mémoriel. L’image n’est plus là, elle erre dans les mémoires et les imaginaires.
Les sculptures et installations de Jorge Isla nous renvoient à des vanités modernes.
Le caractère hautement plastique de ces objets du quotidien rassemblés de manière non naturelle forme une nature morte science-fictionnelle. Une sorte d’archéologie du futur, présentée sur piédestal pour la série Still Life ou au mur pour Le Reflet.
L’artiste nous interpelle et pousse à réfléchir sur ce qu’induisent nos gestes, ce que portent au-delà de l’utilitaire les symboliques de ce téléphone plus intelligent que l’humain, devenu indispensable à ceux qui veulent bien y croire.
Évidemment, il y a dans les écrans noirs des œuvres de Jorge Isla un sentiment de boomerang sur les sociétés, la proximité de la science et de la fiction, du trou noir et du Black Mirror, celui qui ne peut plus rien refléter que le vide immense ou la porte vers une autre dimension, une vie parallèle, une caverne de Platon… Il est question aussi de l’illusion voire même l’illusion de l’illusion, que l’on retrouve aussi dans le travail récent d’Iñaki Domingo.
Il me plaît ici de parler de Miroir noir, aussi appelé miroir de Claude en référence à Claude Gelée dit Le Lorrain, qui utilisait un petit miroir convexe et assombri au noir de fumée. Outil indispensable des artistes et voyageurs du XVIIIe siècle en France et en Grande-Bretagne qui tournaient le dos à la nature qu’ils souhaitaient représenter sur leur toile et utilisaient le miroir noir pour leur composition et leurs effets de lumières et de couleurs.
Je retrouve ce paradoxe humain dans les œuvres engagées de Jorge Isla. Renvoyer aujourd’hui les téléphones mobiles et leur écran noir à cet accessoire qui permettait aux artistes paysagistes de tourner le dos à leur sujet… comment ne pas voir dans cette distorsion, une métaphore pour évoquer les contemporains qui de nos jours ne savent plus regarder le monde qu’à travers l’écran de leur mobile ?
Nous sommes pleinement ici dans l’adoration des nouveaux objets du sacré3. Et je ne peux m’empêcher de penser à la difficulté que j’ai eu la première fois que j’ai eu à franchir et traverser Footstep de Christian Marclay4, comme tous les amateurs de musiques et les collectionneurs de disques… et de faire un parallèle actuel avec l’œuvre de Jorge Isla It is what it is, quand les visiteurs n’ont pas d’autre choix que de piétiner leur objet sacré qui tapissent le sol de l’espace d’exposition.
Dans la série Blanco de España, l’artiste confrontait déjà le spectateur à l’écran éteint, celui des vitrines passées au blanc d’Espagne, fenêtres de projections d’images sans images, lieu de tous les imaginaires et de toutes les projections.
Les œuvres de Jorge Isla et Iñaki Domingo sont éminemment génératrices d’imaginaires, « (…) c’est l’imaginaire qui devient producteur de systèmes pour augmenter notre compréhension du réel, ce dernier n’étant pas composé que de ce qui est prouvé : ce qui ne l’est pas encore peut, ou en tout cas pourrait exister. »5
L’image omniprésente et manquante, proliférante, vue mais sans être vraiment regardée. C’est un autre point qui relie les deux artistes : leur lien ténu avec le photographique.
L’image, les images demeurent dans les travaux et les recherches de Domingo et Isla, et il est intéressant de voir comment les œuvres présentées en conversation dans l’exposition renvoient le spectateur à sa contemporanéité et à son existence immédiate vouée à disparaître… au fugace.
Une image fugitive et non-captable, véritable fléau de l’humain moderne : l’instagrameur !
Dans les œuvres Mirrorworks d’Iñaki Domingo ne sera captée que l’image que je peux voir, chacun aura la sienne. Elle sera différente selon que je suis grande ou petite, avec une acuité précise ou avec une macula, que je sois presbyte, pilote de chasse ou dans une réalité normative de taille et de capacité ophtalmique.
L’image que je vois se créer au fur et à mesure de mon déplacement, de mon angle face à l’œuvre, au grès de mon attention, de ma contemplation. Mouvante et passagère. Magique dirait certains, avec cette idée que ne peut être capturée, captée par l’œil qu’une image qui ne sera visible par aucun autre que moi dans un moment qui ne pourra être que celui-ci.
Hic et nunc [ici et maintenant].
On peut y lire une version fantastique ou religieuse, comme le lien aux icônes, à ce qui nous dépasse. Mais aussi une générosité, car cette image vivra aussi des couleurs et des formes qui l’entourent. Que produisent les images depuis toujours si ce n’est une fascination et un jeu de pouvoirs, d’illusions et de croyances, de magique, de finitude et de politique ?
Il y a dans le travail d’Iñaki Domingo un sentiment d’émerveillement, il interpelle le spectateur, trouble les discernements. Cela était déjà présent dans la série photographique From Somewhere to Nowhere et amorcé dans l’ensemble Color Vaciado. Ici, l’artiste joue des perceptions. Les œuvres de Mirrorworks ouvrent encore plus le champ de possibles, puisque l’image existe uniquement au moment où l’œil la voit et les formes produites par l’artiste sortent du champ photographique. Elles ont une filiation claire avec l’art abstrait et cinétique. Comment ne pas y retrouver l’idée du réel d’un John Tremblay, les interprétations optiques d’un Philippe Decrauzat ou les jeux de lumières d’une Antonia Lambelé ?
J’aime assez que l’artiste nous détourne (nous regardeur), et nous fasse passer de la notion d’impalpable à la fragilité de notre humanité. Ses œuvres pointent subtilement le caractère éphémère de ce qui est vu, et portent une certaine poésie mélancolique.
Bien entendu — et ce serait une aberration de ne pas l’évoquer— le reflet et l’image manquante, qui apparaît et disparait selon le mouvement de celui qui regarde, sont un autre fils entre les deux artistes. Les œuvres et les propos de Domingo et Isla sont complémentaires. Ici, est accentué par leur dialogue le fait que chaque œuvre offre un reflet unique à celui qui lui fait face, passe devant, la regarde de biais et joue avec l’accrochage pensé par les artistes et le curateur.
Un mirage essentiel.
Jamais les mots de Marcel Duchamp : C’est le regardeur qui fait l’œuvre6 n’auront été plus justes, j’y accole pour conclure ceux de Clement Greenberg : « Le seul critère est la réalité de notre expérience. »7
— Émilie Flory
Paris-Bruxelles, septembre 2023
1. Roland Barthes in Bernard Réquichot, Éditions La Connaissance, 1973
2. Roland Barthes, La chambre claire, Éditions Gallimard, 1980
3. et 7. Clement Greenberg, Art & Culture, Beacon Press, 1961
4. Christian Marclay, Footsteps, 1989. Installation constituée de disques vinyles qui recouvrent le sol de l’espace d’exposition. Les visiteurs n’ont d’autre choix que de marcher sur ce tapis de disques.
5. Michel Poivert, in Contre-culture dans la photographie contemporaine, Textuel, 2022
6. Marcel Duchamp lors de la conférence autour de son œuvre Fontaine en 1965.